E. Wurm – Spanish

LA ESCULTURA SEGÚN ERWIN WURM

Si se puede definir el humor como algo capaz de poner en cuestión lo establecido y reflejarnos la absurdidad evidente de nuestra realidad, algo capaz de cambiar la hiperseriedad de nuestras actitudes y llegar con ello a la verdadera madurez del razonamiento, no puede negarse entonces el sentido del humor que, inteligentemente planteado, caracteriza el trabajo del artista austríaco Erwin Wurm.

La obra de Erwin Wurm (Bruck/Mur, 1954) se la ha definido en ocasiones como conceptual relacionándola con diferentes lenguajes alternativos, debido quizás a la variedad de medios (video, fotografía, acciones), así como a la peculiaridad de algunos de los materiales usados (desde bolígrafos o pepinillos hasta ropa usada). Y, sin embargo, un análisis detallado de su trabajo, nos desvela, en su mayor parte, una obra de caractér eminentemente escultórico y que se define por una serie de „categorías“ siempre presentes y planteadas, no de manera aislada, sino correspondiéndose cual una red en forma de causa-efecto-causa. La dialéctica entre vacío y materia, las posibilidades intrínsecas de los materiales, el diálogo entre escultura y el objeto no escultórico, el cuerpo como soporte y la idea de transformación. Estas „categorías“ escultóricas están prácticamente siempre presentes en la variada obra producida por Erwin Wurm, aunque la finalidad de su planteamiento sea la de llevarlas al límite sus significados y poner en cuestión la „categoría“ -¿la más esencial?- que define la escultura como lenguaje artístico clásico: su propia perdurabilidad.

De finales de los años ochenta son las obras realizadas con trazas de polvo marcadas por el contorno de objetos que un día ocuparon este lugar. Lo intangible toma forma y nos muestra la existencia de unos objetos a partir de su ausencia. Ahí la dialéctica entre vacío y materia –que ahí se transforma en presencia y ausencia- se corresponde con las posibilidades intrínsecas de un material tan poco „escultórico“ como las partículas de polvo; un material que, a su vez, estimula muchas asociaciones y procesos mentales. Los restos de polvo que, como la ceniza que queda del fuego, nos muestran lo que fue, y que asociamos a la suciedad pero también a algo vivo, mientras que su contrario, la aséptica limpieza, se asocia a lo extinto, a algo sin vida.

Un elemento muy interesante que el artista hace entrar en juego en esta serie es la vitrina –que nos remite al rol establecido de las instituciones artísticas-, como algo que protege al objeto pero también que determina que lo que es digno de ser visto y, finalmente, lo que es o no es arte. Todo ello planteado en un gesto tan transgresor como cargado de ironía como el de escenificar la misma ausencia.

Otro de los trabajos más conocidos de Erwin Wurm es la serie Gegenstände (1988-2004): prendas de ropa, con los detalles evidentes de su función -ojales, solapas, bolsillos- pero que, en lugar de su textura normal que puede doblarse, se han transformado en objetos duros y rígidos, cambiando absoluta y de una forma sorprendente la aprehensión que nos suscitarían estas mismas prendas en su estado normal. Lo conocido por próximo y cotidiano de una prenda de vestir se convierte ahora en objeto extraño, impropio, alejado de nuestro entorno y que provoca, junto a cierto desasosiego, la sonrisa inevitable por la absurdidad de su presencia. Esta pérdida del rol de unas ropas que ya no visten al cuerpo humano sino que crean otras formas, otros cuerpos si se quiere, es lo que, de alguna manera, se constata en la acción registrada en el video 59 Positions (1992) en la que Wurm continua explorando de forma simultánea las constantes escultóricas que definen su obra. Junto al empleo peculiar de un material no escultórico como la ropa, también está presente la idea de transformación ya que es el propio proceso en lo que se basa esta propuesta. Formas antropomórficas en las que se esconden cuerpos agachados o tumbados en el suelo, enfundados literalmente en unas ropas que les limitan y posibilitan a la vez diferentes posturas. Algo de entrañable define a esta especie de esculturas vivientes, que contrasta con lo grotesco de sus contorsiones y movimientos.

También podemos incluir, vinculadas a estas obras, las series de fotografias que muestran la misma persona en su estado normal y engordada-transformada a base de prendas de ropa superpuestas (como Me, Me, Fat 1993, entre otras), o el video Face (a Thousand Portraits) 1993-1994, en el que se registra un rostro que cada pocos segundos cambia de gesto y expresión perdiendo así cualquier trazo de personalidad propia e identificable. Estos trabajos, junto a las categorías enunciadas, tienen en común el uso del cuerpo humano aunque nunca con un finalidad de introspección piscoanalítica, como pudiera pensarse en un primer momento. En la obra de Erwin Wurm cuerpo es solamente un medio, la herramienta quizás más accesible por su proximidad física pero, sobretodo, un soporte que representa la condición de lo perecedero y transitorio, dos conceptos fundamentales para entender la obra de este artista. E igual que engorda personas lo hace así con objetos (casas o coches que aparecen, de repente, como hinchados por dentro y saliendo de sus propios límites –Fat Car, 2001-2004, Little Big Hause, 2003)

Así, hay que referirse también a las llamadas One Minute Sculptures, que Erwin Wurm realiza desde finales de los años noventa y que forman parte probablemente de la obra más conocida por el público español (en el año 2001 se presentaban en dos exposiciones diferentes, en la Fundació Miró y l’Espai Luca, en Barcelona y Valencia, respectivamente). Esculturas de un minuto de duración, realizadas por el público o el propio artista, a partir de elementos y posturas tan singulares como cómicas: sostenerse con unos cuantos bolígrafos entre los dedos de los pies, hacer de estantería con un montón de libros en cada mano y entre las piernas o intentar mantener un cubo de plástico en la cabeza. Estas esculturas temporales las encontramos también registradas en fotografias con objetos y muebles: una silla que se sostiene incomprensiblemente sobre unas zanahorias, el equilibrio imposible de un zapato sobre algo parecido a una escoba, o la imagen casi obscena de una banana entre las dos puertas semiabiertas de un armario. Esculturas que se definen, como indica su propio titulo, por la idea de temporalidad y que consiguen alterar fundamentalmente los códigos de lo que se entiende por escultura (perdurabilidad, patrimonio, memoria colectiva… toda una serie de conceptos que asociamos a la idea de escultura clásica ). Y, a todo ello, añadir la noción, eminentemente contemporánea, de inmaterialidad, como en las obras en las que el artista se limita a dar las instrucciones precisas, con indicaciones escritas o dibujadas para su realización (Take off One Shoe and Llisten to It for a While,2004o Take the Rubber Band and Play the Finnish National Hymn, 2002 o Throw Yourself Away, 2004). Así mismo, las indicaciones para conseguir aumentar de talla en ocho dias –otra vez la obsesión „gordura-transformación“- en el libro: From Men’s size L to size XL. En este ultimo caso, no es el objeto-libro sino las indicaciones de su contenido („Sleep late, Slow movements, Watch TV lying down…“) para llevar a cabo el proceso, lo que es la obra, su realización a nivel mental, conceptual. Un paso más hacia la desmaterialización, un ir más allá de la especificidad física de los objetos, en un ágil salto que se eleva de la pesantez y sustancialidad de éstos; algo semejante al gesto de leggerezza que aludía Italo Calvino en sus conocidas propuestas para la literatura de nuestro milenio, tratando de quitar peso a la estructura del relato.

Por último, señalar una de las aportaciones más interesantes entre la obra producida recientemente por Erwin Wurm en la que, saliendo de las premisas propiamente „escultóricas“ que hasta ahora hemos definido, pone en cuestión otros aspectos de la creación artística como la misma idea del arte o del artista. Se trata de la serie Instructions for Idleness (2001), a partir de fotos en las que el artista se escenifica a sí mismo, en diferentes actitudes y escenarios. Una vez más, Wurm, con una mirada irónica y cargada de humor, infringe los preceptos más establecidos en torno a conceptos aceptados comúnmente y nos desvela el discurso „construido“, fruto de todo un entramado de creencias y valores, en torno a la idea del artista y su personalidad. El „cliché“ del artista como un ser solitario por su condición de creador, de personalidad maniática, contemplativa y nostálgica, con el temperamento propio de Saturno, según rezaba la tradición antigua y que personifica todo un tópico, una „construcción mental“ que se ha mantenido, alguna manera, hasta nuestros días.

En esta serie la imágen del artista mirando al vacío, ajeno a la realidad y ensimismado en sus pensamientos (¿artista inspirado?, ¿arrebatado?), durmiendo en un rincón durante las horas de trabajo, o fumándose un porro por la mañana antes del desayuno, las acompañan títulos tan explícitos como: Fantasize about nihilism, Stay in your pyjamas all day o Be indifferent about everything.

Esta es la verdadera dimensión contemporánea que define el trabajo de Wurm: una obra que consigue transmutar los conceptos fundamentales establecidos que definen, tanto el lenguaje escultórico (y conceptos ligados a este como la perdurabilidad o la materialidad) o, como en esta última parte, la misma idea de arte o de la creación (la locura, el genio, la inspiración). Y, lo que es realmente dificil, llegar a todo ello siempre desde el código de la ironía, el guiño o el sentido el humor.

Alguien dijo en una ocasión que el humor es una afirmación de la superioridad del ser humano ante las otras criaturas del planeta. Lo que sí es cierto es que el humor es una de las terapias más inteligentes que nos inmuniza de la previsible cotidianidad y nos pone en evidencia una realidad que tomamos demasiado en serio. Con el sentido del humor siempre nos queda, finalmente, poder pensar, como decía Malraux: „Tout peut toujours être pire“.

(Lápiz n° 215, Julio, 2005)